El Arte y el Mar: El relato de la vida a través del mar

Ana Parres

Si me detuviera  a analizar la estabilidad estética del mar y de la fotografía, no dejaría de encontrar paralelismos dentro de todas sus diferencias. Podríamos abrir un debate sobre si es o no el mismo mar que conocieron nuestros abuelos, si ha cambiado a mejor o a peor o si sigue siendo el horizonte donde siempre nos rencontramos con nuestra existencia. También podríamos debatir sobre si la fotografía es eterna y capta la vida o si por el contrario nos deja con la sensación de que sólo son segundos en un espacio efímero. Podríamos abrir ese debate. Podríamos, pero no lo haremos. Porque puede que todo sea una excusa para hablaros de la obra de Hiroshi Sugimoto.  Puede que el motivo sea que la fotografía es uno de mis lenguajes favoritos  o porque siento una  unión emocional al mar o porque tal vez, el artista es una de las figuras más relevantes de la fotografía actual. 

A pesar de haber estudiado Políticas y Sociología, Sugimoto se licenció en Bellas Artes en los Ángeles y  después se trasladó a New York. Allí comenzó su carrera realizando sobre todo, series donde siempre encontramos una belleza quieta pero que parece tener movimiento. Una belleza de formas y líneas simples donde utiliza los contrastes de un modo magistral.

Aegean Sea, Pillon, 1990

Seascapes, es la serie que el artista dedica al mar.  Una serie de 23 fotografías que habla del concepto del umbral. De la condición fronteriza del horizonte donde el aire y el mar se tocan y donde los límites de cada uno son difusos. Siempre en el fin de algo, en el límite del todo y la nada.  Son sus paisajes del mar,  sus “viajes por los mares antiguos del mundo”. Su manera de rendir homenaje a la inmutabilidad.

Cascade River, Lake Superior, 1995

Comenzó esta serie en 1980 y la finalizó en 2003. Podemos encontrar imágenes del  océano Ártico, Cliffs of Moher, la Costiera Amalfitana,  el mar de Tasmania, el Mar Negro, el Caribe Jamaicano, el Mármaro de Silivli, etc. Por el contrario de lo que se pueda pensar, su obra no refleja lugares como tal, no es un testigo geográfico,  sino que conecta esos espacios en una especie de capsula del tiempo donde cada fotografía repara en los pequeños detalles que componen la escena: la luz, la sombra, la materia y el agua. Todas ellas hacen protagonista a la línea, al horizonte que es el corta el mar y el cielo. Y así la fotografía se divide en dos escenarios. Que son,  sin duda el encuadre magistral de Sugimoto.

Baltic Sea, near Rügen, 1996

Fotografías en blanco y negro donde todas tienen la misma hechura. Unas obras  producidas por su cámara de gran formato 8x10 y por sus largas exposiciones. Utiliza esa técnica para ser actor y director de la escena. Las largas exposiciones le permiten captar todos los detalles a la vez que pasa el tiempo, con el compás real que marca el reloj. El color ausente que hace malabares con la luz o la disposición de los volúmenes como si estuviéramos hablando de una forma arquitectónica. 

 North Atlantic Ocean, Cape Breton, 1996.

Los mundos marítimos de Sugimoto son un mundo aparte, como si algo le separase del resto del mundo y no quisiera reencontrarse con la vida. Son fotografías que evocan misticismo y emoción y que no te dejan apartar de ti mismo,  esos dramáticos pensamientos del mar bravo que engaña con poco movimiento, que parece estar planeando algo bajo sus olas quietas.

Sea of Japan, 1997

 

Los de Sugimoto son mares dadaístas, sin sentido y de los que no podemos llegar a comprender toda su dimensión.  O como dijo Gabriel García Márquez en  Relatos de un náufrago, “Mi primera impresión fue la de estar absolutamente solo en la mitad del mar”. Y es que el mar puede no cambiar, pero nos cambia. Tiene esa fuerza poderosa que arrastra sólo con ser representada.

Es paisaje y experiencia.

Es Hiroshi Sugimoto.

Aquí les dejo con él.